Andrew Hunt
Solo Exhibition text for gallery publication (Ruth Benzacar, Buenos Aires)
With diamond encrusted creatures emerging from a bright primordial waste, silver webs that trap portraits of glamorous young women, and fictional landscapes that offer up outmoded utopian futures, Alicia Paz’s recent work represents a shift in her use of painted iconography. Essentially an itinerant artist, Paz was born in Mexico and spent lengthy periods in California and Paris before moving to London, and her work feeds on an eclectic mixture of cultural influences, affected as much by graffiti or comic books – such as Little Lulu and the Argentinian Mafalda – as by art historical genres such as Rococo, Surrealism, Art Brut and Expressionism. This eclectic mixing of styles, in an art that at first sight throws out a number of fairly straightforward visual conundrums, in reality creates characters that form surrogate actors or puppets to Paz’s shifting sense of cultural identity and suggests a strange and clairvoyant form of ventriloquism.
Many of Paz’s collaged characters are artists or authors in their own right, and appear as self-made entities, as dissimulations that trace a transformation from artist to fictional counterpart to secondary work of art. Paz has said that she wishes to express a sense of self-doubt, to underline ‘through the visual mechanics of painting, the illusory and subjective nature of all representations’, whilst affirming an optimism towards ‘art’s inherent transcendental possibilities.’ The interesting thing about Paz’s further breakdown of formal devices, or reliance on a fixation with a melancholy historiography of memory and forgetting through the use of photographic source material, is her recent concern for a further ‘coming into being’ through the process of painting itself.
Dawn (2005) describes this shift eloquently. An amphibian figure emerges from waste ground at twilight. Set in a brightly coloured post-apocalyptic or pre-human world, there’s a contrast of humour and drama between the monster’s feminine archetype of beauty (a half recognisable celebrity portrait taken from a lifestyle magazine) and its stereotype of the ‘ugly’, in its posture and uncanny physicality. The representational and formless qualities of the paint, and its modelling of abject material, trash or mud, also jar with its polar opposite; the depiction of precious treasure, or valuable and painted gems that appear studded into the work. With its title signifying the first light of day and indicating the name of its female character, it also plays on the B-movie melodrama of zombie films, such as George A. Romero’s Dawn of the Dead (1978) as well as their humorous representation of reified consciousness in late capitalist society. Whereas in her previous work Paz expressively re-imbues and interrogates the already artificial nature of eighteen century German Rococo figurines and their post-colonial status in relation to stereotypes of race, class and culture, these new works riff on self and identity less in terms of a masking or a destructive iconoclasm, but through a morphing, evolution, or subliminal emergence from a post-cognitive swamp.
This balance of stark alienation and organic empathy is reinforced through the use of textual fragments and language, the letter ‘K’ appearing emblazoned between the glittering creature’s chest as a direct reference to Kafka’s character in Metamorphosis. Identity shows a flexibility to move in time – to metamorphose like K.
Paz’s mannered characters speak as much of contemporary fashion, collage, Pop Art and Surrealism as they do of horror, literature and science fiction. By presenting a figurine as a monster artist with veins protruding from its legs, When the Machine Stops (2004) throws a nod back to Frida Kahlo, Paz’s Mexican Catholic background, and by turns Japanese cartoons, which appear heavily on Mexican television. Similarly, with it’s painted drips and eyes protruding from the picture plane, Untitled (Melting) (2004) points as much to Surrealism as it does to Warhol and Pop.
In one sense we can see these paintings as an uncanny source of life: Paz’s eyes and gems focus on a point of light where our gaze can be reflected and returned back to us from a point outside of ourselves. For Paz, reflection means frozen mortification as much as it does reciprocity or mutual affirmation of existence. If her work is a painting about painting, where pictorial elements uncomfortably disrupt and reinvent themselves time and again, it’s because the fixity and stasis of their origins consciously slip into an altered state through the works’ own self-definition. In this respect the openness of Paz’s work is caught in an uncanny awkwardness, melodrama and grace that belies its initial appearance.
Andrew Hunt 2005
About Andrew Hunt
Dr Andrew Hunt is a curator and writer based in London. He is currently a Research Fellow in the Faculty of Art, Design & Architecture at Kingston University and Co-Director of Reading International. Recent independent projects include ‘As You Change So Do I’ a series of public art commissions for Luton, UK (2016 to 2019), ‘The Green Ray’, Wilkinson Gallery, London and ‘Concerning Concrete Poetry’, Badischer Kunstverein, Karlsruhe (both 2016). From 2008 to 2014 he was Director of Focal Point Gallery in Southend-on-Sea, where he was responsible for developing the organisation’s acclaimed exhibitions programme and publishing activities. Hunt oversaw FPG’s move into its new building (arch. Manalo and White, 2013) and in 2012 he was a member of the Turner Prize jury. He contributes to magazines and journals such as Art Monthly, Domus, frieze, Mousse Magazine, and TATE ETC., and is founding editor of the Slimvolume imprint, which to date has published editions and books by over 250 artists. Recent publications include Scott King: Public Art, Paul Buck: Disappearing Curtains and Cally Spooner: Scripts (all 2016).
Spanish version
Con criaturas de diamantes que emergen de un terreno yermo luminoso y arcaico, con telarañas plateadas en las que se enredan retratos de jóvenes mujeres encantadoras y paisajes ficticios que presentan obsoletos futuros utópicos, el trabajo reciente de Alicia Paz presenta un giro en su uso de iconografía pictórica. Básicamente una artista itinerante, Paz nació en México y pasó largos períodos en California y en París antes de instalarse en Londres. Su obra se alimenta de una mezcla ecléctica de influencias culturales, como el graffiti, las tiras cómicas como la La Pequeña Lulú o la tira argentina Mafalda, así como también los géneros de la historia del arte como el rococó, el surrealismo, el arte brut y el expresionismo. Esta mezcla ecléctica de estilos, en una obra que a primera vista propone una serie de enigmas visuales directos, en realidad crea personajes que dan vida a actores secundarios o títeres que obran en sintonía con la cambiante identidad cultural de Paz, sugiriendo una forma extraña y clarividente de ventriloquía.
Muchos de los personajes collage de Paz son ellos mismos artistas o autores, y aparecen como entidades autónomas, como disimulaciones que trazan una transformación que va del artista a una contrafigura ficticia y de ahí a una obra de arte suplementaria. Paz ha dicho que desea expresar “a través de los mecanismos visuales de la pintura, la naturaleza subjetiva e ilusoria de toda representación”, afirmando al mismo tiempo un optimismo con respecto a las “posibilidades de trascendencia inherentes al arte”. Lo interesante de la continua exploración que Paz hace de sus dispositivos formales, o del provecho que saca de una historiografía melancólica de la memoria y el olvido a través del uso de material fotográfico, es su reciente preocupación por un devenir ulterior, mediante el proceso mismo de la pintura.
Aurora describe este nuevo giro con elocuencia. Una figura anfibia emerge de una superficie baldía en el crepúsculo. Situada en un mundo post-apocalíptico o pre-humano de colores brillantes, un contraste de humor y drama aflora entre el arquetipo de la belleza femenina del monstruo (el retrato medianamente reconocible de alguna mujer famosa, sacado de una revista de moda) y el estereotipo de lo “feo”, con su extraña postura y su físico extravagante. Las cualidades amorfas y representativas de la pintura, en su modelaje de material abyecto, de basura o barro, chocan con su polo opuesto: la representación de un tesoro o de piedras preciosas pintadas que aparecen como incrustadas en la obra. Su título indica las primeras horas del día y el nombre del personaje femenino, pero también hace referencia a las películas “zombies” de serie B como El amanecer de los muertos (1978) de George A. Romero, y desarrolla una representación paródica de la conciencia reificada de la sociedad capitalista tardía. Mientras que en su trabajo anterior Paz permea e interroga expresivamente la naturaleza ya artificial de las figuras del siglo XVIII del rococó alemán y su carácter post-colonial con relación a los estereotipos de raza, clase social y cultura, estas nuevas obras exploran el yo y la identidad no tanto en términos de un enmascaramiento o una iconoclasia destructiva, sino a través de una transformación, una evolución o una emergencia subliminal en un contexto de ciénaga post-cognitiva.
Este equilibrio entre una alienación cruda y una empatía orgánica se ve reforzado por el uso de fragmentos textuales y del lenguaje, así, la letra K, que aparece como un blasón en el pecho fulgurante de la criatura, es una referencia directa al personaje de La Metamorfosis de Kafka.
La identidad muestra su capacidad de moverse en el tiempo, su capacidad de metamorfosearse como K.
Los personajes amanerados de Paz hablan de moda, de collage, de arte pop y de surrealismo, así como de horrror, literatura y ciencia ficción. Al presentar a una figurilla como un artista-monstruo con venas sobresalientes que le surcan las piernas, el cuadro Cuando la máquina se detiene (2004) hace alusión a Frida Kahlo y a la cultura del México católico de Paz y, de paso, a las caricaturas japonesas que aparecen con frecuencia en la televisión mexicana. Similarmente, su cuadro con chorreados y ojos que resaltan del plano pictórico, Sin título (Derritiendo), le apunta tanto al surrealismo como a Warhol y al pop.
En cierto sentido, podemos ver en estos cuadros una prodigiosa fuente de vida: los ojos y las gemas de Paz se focalizan en un punto de luz en el que nuestra mirada puede verse reflejada y sernos devuelta desde un punto exterior a nosotros mismos. Para Paz la reflexión significa a la vez una gélida mortificación y una afirmación mutua de la existencia. Si su trabajo es una pintura que habla de pintura, en la que los elementos pictóricos se desintegranincómodamente y se reinventan una y otra vez, esto sucede porque la fijeza y el equilibrio de sus orígenes se deslizan concientemente hacia un estado alterado mediante la autodefinición de su obra misma. De esta manera la actitud abierta del trabajo de Paz reside en un extraño equívoco, en un melodrama y una gracia que desmiente su apariencia inicial.
Andrew Hunt
Andrew Hunt es comisario independiente, contribuye regularmente para la revista Frieze y ha sido editor de la revista Untitled.